Раскачивающаяся картина

Невероятно реалистичные картины, похожие на фотографии

12. Рон Мюэк – скульптура, смешанные материалы.

14. Ким Джи-Юн – карандаш.

15. Кристина К. – рисунок на затушеванной коричневой бумаге.

17. Рэй Хэйр – картина акрилом на холсте.

19. Дэйзи – уголь.

20. Алиса Монкс – маслом на полотне.

22. Педро Кампос – маслом на холсте.

23. Дирк Дзимирски – графитом на бумаге.

24. Томас Арвид – картина жикле ограниченного издания на холсте.

26. Рафаль Буйновски – черно-белая краска. Буйновски нарисовал фотореалистичный автопортрет черно-белой краской, сфотографировал его и вставил в заявление на получение визы в США. Консулы не заметили ничего, в итоге художник получил паспорт с копией собственного рисунка.

27. Пол Кадден – карандашом на бумаге.

28. Робин Элей – маслом на бельгийском полотне.

29. Сэмюэл Силва – шариковой ручкой.

30. Готтфрид Хельнвайн – маслом и акрилом на холсте.

32. Франко Клан – карандашами на акварельной бумаге.

33. Келвин Окафор – графитовыми карандашами.

35. Эмми Робинс – цветными карандашами на чертежной бумаге.

37. Майк Бэйн – маслом на деревянной панели.

38. Роберт Лонго – углем на объемной бумаге.

40. Диего Фацио – угольным карандашом.

42. Брайан Драри – маслом на дереве.

Понравилось? Хотите быть в курсе обновлений? Подписывайтесь на наш Twitter, страницу в Facebook или канал в Telegram.

20 самых странных картин в мировой живописи

Живопись, если не брать в расчет реалистов, всегда была, есть и будет странной. Но некоторые картины страннее других.

Есть произведения искусства, которые словно бьют зрителя по голове, ошарашивая и изумляя. Другие затягивают в раздумья и в поиски смысловых слоев, тайной символики. Некоторые картины овеяны тайнами и мистическими загадками, а другие удивляют непомерной ценой.

Мы тщательно просмотрели все главные достижения в мировой живописи и выбрали из них два десятка самых странных картин. Сальвадора Дали, чьи работы полностью попадают под формат этого материала и первыми приходят на ум, не включили в эту подборку намеренно.

Понятно, что «странность» — это довольно субъективное понятие и для каждого есть свои удивительные картины, выбивающиеся из ряда прочих произведений искусства. Мы будем рады, если вы поделитесь ими в комментариях и расскажете о них немного.

Эдвард Мунк. 1893, картон, масло, темпера, пастель.
Национальная галерея, Осло.

«Крик» считается знаковым событием экспрессионизма и одной из самых известных картин в мире.

Существуют две трактовки изображенного: это сам герой охвачен ужасом и безмолвно кричит, прижимая руки к ушам; или же герой закрывает уши от звучащего вокруг крика мира и природы. Мунк написал четыре варианта «Крика», и есть версия, что картина эта — плод маниакально-депрессивного психоза, от которого страдал художник. После курса лечения в клинике Мунк не возвращался к работе над полотном.

«Я шел по тропинке с двумя друзьями. Солнце садилось — неожиданно небо стало кроваво-красным, я приостановился, чувствуя изнеможение, и оперся о забор — я смотрел на кровь и языки пламени над синевато-черным фьордом и городом. Мои друзья пошли дальше, а я стоял, дрожа от волнения, ощущая бесконечный крик, пронзающий природу», — говорил Эдвард Мунк об истории создания картины.

«Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем?»

Поль Гоген. 1897-1898, холст, масло.
Музей изящных искусств, Бостон.

По указанию самого Гогена картину следует читать справа налево — три основные группы фигур иллюстрируют вопросы, поставленные в названии.

Три женщины с ребенком представляют начало жизни; средняя группа символизирует ежедневное существование зрелости; в заключительной группе, по замыслу художника, «старая женщина, приближающаяся к смерти, кажется примирившейся и предавшейся своим размышлениям», у ее ног «странная белая птица. представляет бесполезность слов».

Глубоко философская картина постимпрессиониста Поля Гогена была написана им на Таити, куда тот сбежал от Парижа. По завершении работы он хотел даже покончить жизнь самоубийством: «Я верю, что это полотно превосходит все мои предыдущие и что я никогда не создам что-то лучше или даже похожее». Он прожил еще пять лет, так и получилось.

«Герника»

Пабло Пикассо. 1937, холст, масло.
Музей королевы Софии, Мадрид.

«Герника» представляет сцены смерти, насилия, зверства, страдания и беспомощности, без указания их непосредственных причин, но они очевидны. Рассказывают, что в 1940 году Пабло Пикассо вызвали в гестапо в Париже. Речь сразу зашла о картине. «Это сделали вы?» — «Нет, это сделали вы».

Огромное полотно-фреска «Герника», написанная Пикассо в 1937 году, рассказывает о налете добровольческого подразделения люфтваффе на город Герника, в результате которого шеститысячный город был полностью уничтожен. Картина была написана буквально за месяц — первые дни работы над картиной Пикассо работал по 10-12 часов, и уже в первых набросках можно было увидеть главную идею. Это одна из лучших иллюстраций кошмара фашизма, а также человеческой жестокости и горя.

«Портрет четы Арнольфини»

Ян ван Эйк. 1434, дерево, масло.
Лондонская национальная галерея, Лондон.

Знаменитая картина целиком и полностью наполнена символами, аллегориями и разнообразными отсылками — вплоть до подписи «Ян ван Эйк был здесь», превратившей картину не просто в произведение искусства, а в исторический документ, подтверждающий реальность события, на котором присутствовал художник.

Портрет предположительно Джованни ди Николао Арнольфини и его жены является одним из наиболее сложных произведений западной школы живописи Северного Возрождения.

В России в последние несколько лет картина обрела большую популярность благодаря портретному сходству Арнольфини с Владимиром Путиным.

«Демон сидящий»

Михаил Врубель. 1890, холст, масло.
Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Картина Михаила Врубеля удивляет образом демона. Его печальный вид совсем не похож на общечеловеческие представления о том, как должен выглядеть злой дух.

Это образ силы человеческого духа, внутренней борьбы, сомнений. Трагически сцепив руки, Демон сидит в окружении цветов, устремив свой взгляд вдаль. Композиция подчеркивает стесненность его фигуры, будто бы зажатой между верхней и нижней перекладинами рамы.

Сам художник говорил о самой известной своей картине: «Демон — дух не столько злобный, сколько страдающий и скорбный, при всем этом дух властный, величавый».

«Апофеоз войны»

Василий Верещагин. 1871, холст, масло.
Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Метафора войны в картине передана автором так точно и глубоко, что за каждым черепом, лежащим в этой куче, начинаешь видеть людей, их судьбы и судьбы тех, кто этих людей больше никогда не увидит. Сам Верещагин с сарказмом называл полотно «натюрмортом» — на нем изображена «мертвая природа». Всe детали картины, в том числе желтый колорит, символизируют смерть и опустошение. Ясное синее небо подчеркивает мертвенность картины. Идею «Апофеоза войны» выражают также шрамы от сабель и дыры от пуль на черепах.

Верещагин — один из главных российских художников-баталистов, но он рисовал войны и сражения не потому, что видел в них красоту и величие. Наоборот, художник пытался передать людям свое негативное отношение к войне.

Однажды Верещагин в пылу эмоций воскликнул: «Больше батальных картин писать не буду — баста! Я слишком близко к сердцу принимаю то, что пишу, выплакиваю (буквально) горе каждого раненого и убитого». Вероятно, результатом этого возгласа стала страшная и завораживающая картина «Апофеоз войны».

«Американская готика»

Грант Вуд. 1930, масло. 74×62 см.
Чикагский институт искусств, Чикаго.

Картина с мрачными образами отца и дочери переполнена деталями, которые указывают на суровость, пуританство и ретроградство изображенных людей. Сердитые лица, вилы прямо посередине картины, старомодная даже по меркам 1930 года одежда, швы на одежде фермера, повторяющие форму вил, как символ угрозы, которая адресована всем, кто посягнет. Полотно насыщено мрачными подробностями, которые заставляют ежиться от неуюта.

«Американская готика» — один из самых узнаваемых образов в американском искусстве XX века, известнейший художественный мем XX и XXI столетий.

Интересно, что судьи конкурса в Чикагском институте искусств восприняли «Готику» как «юмористическую валентинку», а жители штата Айова страшно обиделись на Вуда за то, что тот изобразил их в столь неприятном свете.

«Влюбленные»

Рене Магритт. 1928, холст, масло.

Картина «Влюбленные» («Любовники») существует в двух вариантах. На одном полотне мужчина и женщина, чьи головы укутаны белой тканью, целуются, а на другом — «смотрят» на зрителя. Картина удивляет и завораживает.

Двумя фигурами без лиц Магритт передал идею о слепоте любви. О слепоте во всех смыслах: влюбленные никого не видят, не видим их истинных лиц и мы, а кроме того, влюбленные — загадка даже друг для друга. Но при этой кажущейся понятности, мы все равно продолжаем смотреть на магриттовских влюбленных и думать о них.

Едва ли не все картины Магритта — это ребусы, которые полностью разгадать невозможно, так как они ставят вопросы о самой сути бытия. Магритт все время говорит об обманчивости видимого, о его скрытой таинственности, которую мы обычно не замечаем.

«Прогулка»

Марк Шагал. 1917, холст, масло.
Государственная Третьяковская галерея.

«Прогулка» — это автопортрет художника с супругой Беллой. Его любимая парит в небе и того гляди утащит в полет и Шагала, стоящего на земле непрочно, будто касаясь ее только носками туфель. В другой руке у Шагала синица — он счастлив, у него есть и синица в руках (вероятно, его живопись), и журавль в небе.

Обычно до крайности серьезный в своей живописи Марк Шагал написал восхитительный манифест собственного счастья, наполненный аллегориями и любовью.

«Сад земных наслаждений»

Иероним Босх. 1500-1510, дерево, масло.
Прадо, Испания.

«Сад земных наслаждений» — самый известный триптих Иеронима Босха, получивший свое название по теме центральной части, посвящен греху сладострастия.

Картина насыщена фантастическими фигурами, сооружениями, образами чудовищ, словно обретшими плоть галлюцинациями — всем тем, что можно назвать адскими карикатурами реальности, на которую автор смотрит испытующим, чрезвычайно острым взглядом.

Некоторые ученые хотели видеть в триптихе изображение жизни человека сквозь призму тщеты земной любви, другие — торжество сладострастия. Однако простодушие и некоторая отстраненность, с которыми трактовались отдельные фигуры на картине, а также благосклонное отношение к этому произведению церковных властей заставляют сомневаться, что содержанием его могло быть прославление телесных наслаждений.

На сегодняшний день ни одно из имеющихся толкований картины не признано единственно верным.

«Три возраста женщины»

Густав Климт. 1905, холст, масло.
Национальная галерея современного искусства, Рим.

Эта работа Климта одновременно передает ощущение и радости, и печали. В ней тремя фигурами написана история жизни женщины: беззаботность, умиротворение и отчаяние.

Молодой женский образ органично вплетен в орнамент жизни, образ старой женщины выделяется из него. Контраст между стилизованным изображением молодой женщины и натуралистическим образом старухи приобретает символический смысл: первая фаза жизни несет с собой бесконечные возможности и метаморфозы, последняя — постоянство и конфликт с реальностью.

Полотно не отпускает, забирается в душу и заставляет думать о глубине послания художника, равно как и о глубине и неизбежности жизни.

«Семья»

Эгон Шиле. 1918, холст, масло.
Галерея «Бельведер», Вена.

Шиле был учеником Климта, но, как и всякий отличный ученик, он не копировал своего учителя, а искал новое. Шиле куда более трагичный, странный и пугающий, нежели Густав Климт. В его работах много того, что можно было бы назвать порнографией, разнообразных перверсий, натурализма и при этом щемящего отчаяния.

Читайте также:  Влюбленное дерево

«Семья» — его последняя работа, в которой отчаяние доведено до абсолюта, несмотря на то что это наименее странно выглядящая его картина. Художник нарисовал ее перед самой смертью, в 28 лет, после того как от испанки умерла его беременная жена Эдит. На полотне изображен сам автор, его жена и их так и не рожденный ребенок.

«Две Фриды»

История трудной жизни мексиканской художницы Фриды Кало стала широко известна после выхода фильма «Фрида» с Сальмой Хайек в главной роли. Кало писала в основном автопортреты и объясняла это просто: «Я пишу себя, потому что много времени провожу в одиночестве и потому что являюсь той темой, которую знаю лучше всего».

Ни на одном автопортрете Фрида Кало не улыбается: серьезное, даже скорбное лицо, сросшиеся густые брови, чуть заметные усики над плотно сжатыми губами. Идеи художницы зашифрованы в деталях, фоне, фигурах, появляющихся рядом с изображением автора на полотнах. Символика Кало опирается на национальные традиции и тесно связана с индейской мифологией доиспанского периода.

В одной из своих лучших картин «Две Фриды» она выразила мужское и женское начала, соединенные в ней единой кровеносной системой и демонстрирующие ее целостность.

«Мост Ватерлоо. Эффект тумана»

Клод Моне. 1899, холст, масло.
Государственный музей Эрмитаж, Санкт-Петербург.

При рассмотрении картины с близкого расстояния зритель не видит ничего, кроме полотна, на который нанесены частые густые масляные мазки. Вся магия произведения раскрывается, когда мы постепенно начинаем отодвигаться от полотна на большее расстояние.

Сначала перед нами проявляются непонятные полуокружности, проходящие через середину картины, затем мы видим явные очертания лодок, а если мы отойдем приблизительно на два метра, то перед нами возникнут и выстроятся в логическую цепочку все связующие произведения.

«Номер 5, 1948»

Джексон Поллок. 1948, фибролит, масло.

Странность этой картины в том, что полотно американского лидера абстрактного экспрессионизма, которое он нарисовал, разливая краску по разложенному на полу куску фибролита, — одна из самых дорогих картин в мире. В 2006 году на аукционе Sotheby’s за нее заплатили 140 миллионов долларов. Дэвид Гиффен, кинопродюсер и коллекционер, продал ее мексиканскому финансисту Дэвиду Мартинесу.

«Я продолжаю отходить от обычных инструментов художника, таких как мольберт, палитра и кисти. Я предпочитаю палочки, совки, ножи и льющуюся краску или смесь краски с песком, битым стеклом или чем-то еще. Когда я внутри живописи, я не осознаю, что я делаю. Понимание приходит позже. У меня нет страха перед изменениями или разрушением образа, поскольку картина живет своей собственной жизнью. Я просто помогаю ей выйти наружу. Но, если я теряю контакт с картиной, получается грязь и беспорядок. Если же нет, то это чистая гармония, легкость того, как ты берешь и отдаешь».

«Мужчина и женщина перед кучей экскрементов»

Жоан Миро. 1935, медь, масло.
Фонд Жоана Миро, Испания.

Хорошее название. И кто бы мог подумать, что эта работа говорит нам об ужасах гражданских войн.

Картина была сделана на листе меди за неделю между 15 и 22 октября 1935 года. По словам Миро, это результат попытки изобразить трагедию Гражданской войны в Испании, картина о периоде беспокойства. На полотне изображены фигуры мужчины и женщины, тянущиеся друг к другу в объятия, но при этом не движущиеся. Увеличенные половые органы и зловещие цвета были описаны автором как «полные отвращения и гадливой сексуальности».

«Эрозия»

Польский неосюрреалист известен по всему миру благодаря своим удивительным картинам, в которых объединяются реальности, создающие все новые. Трудно рассматривать его предельно детальные и в какой-то степени умилительные работы по одной, но таков формат нашего материала. Рекомендуем ознакомиться подробнее.

«Руки противятся ему»

Билл Стоунхэм. 1972.

Эту работу, конечно, нельзя причислить к шедеврам мировой живописи, но то, что она странная, — это факт.

Вокруг картины с мальчиком, куклой и ладошками, прижатыми к стеклу, ходят легенды. От «из-за этой картины умирают» до «дети на ней живые». Выглядит картина и впрямь жутковато, что порождает у людей со слабой психикой массу страхов и домыслов.

Художник же уверял, что на картине изображен он сам в возрасте пяти лет, что дверь — представление разделительной линии между реальным миром и миром снов, а кукла — проводник, который сможет провести мальчика через этот мир. Руки представляют альтернативные жизни или возможности.

Картина обрела известность в феврале 2000 года, когда была выставлена на продажу на eBay с предысторией, рассказывающей, что картина — «с привидениями». «Руки противятся ему» купил за 1025 долларов Ким Смит, который затем был просто завален письмами с жуткими историями и требованиями сжечь картину.

Удивительные и необычные способы создания картин

НЕОБЫЧНЫЕ КАРТИНЫ

Возможно, многие, не имеющие отношения к миру искусства, полагают, что картину возможно создать только при помощи краски или карандаша. Но это не так. Почти любой материал под рукой таланта превращается в шедевр, а иногда даже и кисть не нужна — в ход идут самые необычные инструменты. Иногда мастер не желает в собственном творчестве идти по классическим канонам и начинает делать эксперименты. У него появляются самые неожиданные альтернативы технике рисования. Одни творения поражают реалистичностью, другие — мастерством автора.

Давайте посмотрим, что вышло в итоге у художников, рисующих весьма необычным способом?

1. Картины кофейными следами.

Шанхайская художница Хон Йи любит рисовать следами, оставленных кофейной чашкой.

2. Двигатель самолёта.

Художница из Флориды Таринан фон Анхальт создает абстрактные произведения искусства, подбрасывая банки и бутылки с краской в воздух за работающим реактивным двигателем самолета. Поток воздуха разбрызгивает краску на подставленном к двигателю холсте. Клиенты готовы платить по $ 50 000, чтобы понаблюдать за процессом создания полотна. Данная техника получила название джет-арт. Изобрёл её в 1982 году австрийский князь Юрген фон Анхальт. После его смерти эту технику изучила и продолжила его супруга, княгиня Таринан фон Анхальт.

3. Картины из жевательных резинок.

Что же сделать с использованными жевательными резинками? Бен Уилсон очищает тротуары от выброшенной жевательной резинки, тем самым собирает материал для своих будущих произведений. Он создал более 8000 произведений искусства. На создание одной работы у художника уходит от двух часов до трех дней. Довольно странный, но необычный способ.

4. Кисть — радиоуправляемая машинка.

26-летний британский художник Ян Кук решил для нанесения краски на полотно использовать машинки на радиоуправлении. Он создал уже более 40 картин.

5. Мороженое.

А эти чудные картины создаёт багдадский художник Осман Том. Он использует вместо красок мороженое. Когда он фотографирует свои картины, то всегда оставляет на них кусок недоеденного мороженого и кисти, в качестве части композиции.
Очень красиво.

6. Картины пивом.

38-летняя художница Карен Эланд пишет картины пивом. На одну картину уходит примерно около половины литра пива и несколько дней. Вначале она рисовала кофе, но после 14 лет решила поэкспериментировать с чаем, пивом и ликером. В конечном итоге пиво оказалось наиболее подходящим материалом для создания картин.

7. На холсте — вино.

Элизабетта Рогаи пишет свои картины белым и красным вином.

Главная особенность картин в том, что цвет красок на полотне со временем изменяется, ведь вино стареет и приобретает новые оттенки.

8. Картины под водой.

Украинские дайверы создают свои работы на глубинах от 2 до 20 метров под водой в Черном и Красном море. Художников очень вдохновляет красота подводного царства, и они придумали такой способ рисования: они используют холст, краски и водонепроницаемый клей. И количество последователей с каждым годом растет и становится всё популярнее среди творческих людей.

9. Картина поцелуями.

Художница — Натали Айриш. Она рисует поцелуями, используя обычную губную помаду! На одну картину Натали использует около пяти тюбиков помады, а её палитра для рисования достаточно большая — благо оттенков губной помады огромное количество. Первой её работой был портрет Мерлин Монро. Это довольно сложно, ведь при работе ей приходится часто менять фокусировку глаз.

10. Кофе.

Карен Эланд воссоздаёт репродукции мировых шедевров обычным эспрессо. Она делает удивительно точные копии известных картин Эти работы выполнены настолько качественно, что не верится, что краска — это обыкновенный кофе! Художница любит работать в кофейнях, тамошняя обстановка её очень вдохновляет.

11. Пальцы и угольная пыль.

При создании таких красивых картин художница Джудит Браун использует свои пальцы и угольную пыль. Художница работает в этой технике более 30-и лет, и эта техника пользуется очень большой популярностью. Примечательно, что Джудит не относит свои работы к высокому искусству. Но эти картины, безусловно, заслуживают внимания, не так ли?

12. Чем грудь не инструмент для создания картин?

Кира Эйн Варзеджи при написании картин вместо кистей использует собственную грудь. На эти картины есть огромный спрос, а Кира пользуется популярностью в сети. Эти работы пока не представлены на выставках. Художница использует уникальную технику рисования. Она окунает грудь в краски, а затем ею наносит под разным углом мазки на холст.

13. Монохромная красота.

Паоло Троило художник-самоучка. Но в 2007 году был признан лучшим итальянским креативщиком.

Для рисования он берёт акриловую краску пальцами и начинает рисовать на холсте. Эти творения потрясают своей реалистичностью и профессионализмом. Таких результатов не могут добиться художники при помощи кисти или карандаша, а Паоло делает это своими пальцами. В настоящее время он живёт в Милане. Его картины выставляются во всём мире и привлекают огромное количество поклонников, ему стараются подражать. Его особенная отличительная черта — это монохромная гамма и реалистичная красота мужского тела.

14. Рот вместо рук.

Дуг Лэндис был ещё студентом, когда во время бойцовского поединка с ним не случился несчастный случай, после чего у него отказали все четыре конечности. Он всегда был очень активным, но после трагедии он больше не мог двигаться. И тогда его родной брат предложил ему рисовать, держа кисть в зубах. Дуг стал рисовать. На создание одного изображения он тратит достаточно много время — уходит от 40 до 200 часов — в зависимости от его размеров.

Эти способы рисования действительно удивляют и потрясают. Особенно, когда это выполнено очень профессионально!

Если вам понравилась подборка, ставьте пальцы вверх и добавляйтесь в круг! До скорого!

10 известнейших картин с неожиданным подтекстом

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

После того, Дэн Браун написал “Код да Винчи”, появилось огромное количество увлечённых людей, пытающихся отыскать некий скрытый подтекст в произведениях искусства. В нашем обзоре 10-ка необычных трактовок известных картин. Не исключено, что некоторые из них имеют право на жизнь.

1. “Сатир, оплакивающий нимфу” на самом деле является сценой жестокого убийства

Картина Пьеро ди Козимо “Сатир, оплакивающий нимфу”, написанная в 1495 году, якобы изображает сцену из “Метаморфоз” Овидия. В этой истории Прокриду случайно убил в лесу во время охоты ее муж, охотник Цефал. Однако, британской профессор Майкл Баум считает иначе. По его словам, внимательное изучение картины показывает, что Прокрида не могла быть убита случайно, все признаки указывают на жестокое преднамеренное убийство. Прокрида имеет глубокие рваные раны на руках, как будто пыталась отбиться от атак ножом. Также на шее есть рана. Профессор Баум подозревает, что Козимо попросил местный морг одолжить ему труп для того, чтобы зарисовать жертву убийства.

Читайте также:  Электрическая коптильня холодного копчения из бочки

2. Диего Ривера – у Дж. Д. Рокфеллера-младшего был сифилис

Картина Диего Риверы “Человек, контроллер Вселенной” — одно из величайших творений мексиканского изобразительного искусства. Первоначально картина была создана по заказу Рокфеллер-центра, но Нельсон Рокфеллер уничтожил оригинальную фреску из-за того, что художник изобразил на ней Ленина. После этого Ривера вернулся в Мексику и восстановил свою картину, добавив в нее ссылку на то, что у отца Нельсона Рокфеллера был сифилис. На воссозданной картине вновь фигурировал Ленин, а Троцкий, стоящий рядом с Марксом и Энгельсом. Также Ривера изобразил Рокфеллера, над головой которого была бледная спирохета (возбудитель сифилиса). Также, несмотря на то, что Дж. Д. Рокфеллер-младший был на протяжении всей жизни трезвенником, Ривера нарисовал его с мартини и женщинами, похожими на проституток.

3. На картине “Изабелла” человек скрывает свою эрекцию

Один из художников братства прерафаэлитов Джон Эверетт Милле, вероятно, более всего известен сегодня своей картиной “Офелия”. В 2012 году исследователи обнаружили нечто неожиданное на его более ранней картине – “Изабелла”. На ней изображен сюжет из поэмы Джона Китса, основанный, в свою очередь, на известнейшем романе Бокаччо “Декамерон”. На картине сидящий за столом человек поднял ногу, пытаясь пнуть собаку, однако при этом на столе видна тень его эрекции.

4. La Primavera — признание в любви к садоводству

Одной из самых известных, а также самых загадочных картин в галерее Уффици во Флоренции является картина Боттичелли “La Primavera”. Из-за того, что на ней группа женщин ходит по небу, как по лужайке, эксперты утверждают, что картина носит аллегорический смысл. Есть одна теория, которая выделяется среди всех: Ботичелли написал картину из-за своей любви к садоводству. По официальным оценкам, на картине изображено, по крайней мере, 500 тщательно отрисованных различных растений, почти 200 различных видов. Некоторые полагают, что это были все растения, которые произрастали в 15 веке во Флоренции.

5. “Урок музыки” — картина с сексуальным подтекстом

Созданный Яном Вермеером в 1660-е годы, “Урок музыки” считается одной из величайших картин, изображающих голландский образ жизни 17-го века. Теперь помимо стандартного описания этой картины,существует менее известное — картина отображает сексуальность и скрытую похоть. Согласно этой теории, картина наполнена отсылками на сексуальную напряженность между девушкой и ее наставником. Зеркало над клавесином показывает то, как девушка на самом деле, смотрит на мужчину, в то время как она играет. За ними на столе стоит кувшин вина, которое является афродизиаком, в то время как инструмент на полу рассматривается как огромный фаллический символ.

6. “Терраса кафе ночью” — отсылка к Тайной Вечере

Созданная в 1888 году, “Терраса кафе ночью” является одной из наиболее важных работ Ван Гога. Некоторые исследователи утверждают, что в картине есть скрытый смысл — она на самом деле передает замысел Тайной Вечери. С раннего детства Ван Гог был чрезвычайно религиозным. Его отец был протестантским священником, и влиятельные арт-критики утверждают, что картины Винсента проникнуты христианскими образами. Чем же “Терраса кафе ночью” похожа на Тайную Вечерю? Если внимательно присмотреться к обедающим, то можно увидеть 12 человек, сидящих вокруг центральной фигуры с длинными волосами. Также на картине есть ряд скрытых крестов, в том числе один непосредственно над фигурой Христа.

7. “Аллегория с Венерой и Амуром” — предупреждение о сифилисе

Картина Аньоло Бронзини 1546 года, которую принято считать венцом эротизма, как утверждают исследователи, является предупреждением о разрушительных последствиях сифилиса. Об этом свидетельствует кричащая фигура в левой части картины. Хотя в классическом описании картины сказано, что это метафора ревности или отчаяния, внимательное изучение показывает, что ей на самом деле очень плохо. Ее пальцы опухли как у больного сифилисом, на них не хватает ногтей, а волосы имеют признаки сифилитической алопеции. Беззубые десны предполагают отравление ртутью, которой пытались лечить сифилис в Италии эпохи Возрождения.

8. El Autobus рассказывает об ужасной катастрофе

Картина мексиканской художницы Фриды Кало “El Autobus”, написанная в 1929 году, показывает жизнь мексиканского сообщества. Домохозяйка, рабочий, мать-индианка и богатый бизнесмен гринго, несмотря на социальные различия, рядом ожидают автобус рядом с девушкой, которая, вероятно, означает саму Фриду. Все субъекты этой картины не знают, что их ожидает ужасная авария. В 1925 году Кало ехала на автобусе, который врезался в трамвай. Ее более поздние работы часто ссылаются на эту аварию, подразумевая, что это было чудом, что она выжила в катастрофе. И

9. Картины голландской школы живописи — картины в картинах

Голландский Золотой век живописи уступает, пожалуй, только итальянскому Возрождению. Как и среди другие эпохи, в это время также были свои собственные причуды в моде и в живописи, одной из которых стало то, что художники рисовали “картины в картинах”. Одним из примеров такого стиля является картина “Тапочки” Самуэля ван Хугстратена. На первый взгляд, на картине показан пустой зал с двумя парами тапочек, которые лежат среди него. На стене зала висит картина Каспара Нетшера “Отец отчитывает свою дочь”. С первого взгляда, ничего необычного. Но современным ценителям голландского искусства известно, что картина Нетшера была нарисована внутри борделя. По видимому, эти тапочки принадлежат мужчине и женщине, которые разделись и пошли заниматься сексом.

10. Работа Л.С. Лоури полна скрытых страданий

Художник середины 20-го века известен своими картинами, изображающими северо-запад Англии. Л.Лоури часто рисовал огромные городские сцены с толпами “аферистов”. Хотя он был популярен, мир искусства не признавал его картины, как тривиальные в течение длительного времени. На самом деле картины Лоури наполнены скрытыми человеческими страданиями. На картине 1926 года “Несчастный случай” нарисована толпа людей, которые собрались возле озера, и смотрят на него. На самом деле эта сцена была вдохновлена местным самоубийством, и толпа собралась поглазеть на труп утопленника. На других картинах Лоури изображены люди, смотрящие на кулачные бои, люди, которых выселяют из дома, или просто глядящие из окон в подавленном настроении.

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

Это НЕ фотография: картины 12-и лучших художников-гиперреалистов

Гиперреализм является художественным течением в живописи и скульптуре.

Он основан на фотографически точном отражении вещей, окружающих нас.

Это течение становится все более популярным во всем мире.

Эти гиперреалистичные работы разных художников можно легко спутать с фотографиями, но все они были нарисованы рукой своего невероятно талантливого автора.

Гиперреализм карандашом

Автор Диего Фацио (Diego Fazio)

Этот талантливый 22-летний художник не перестает удивлять и снова доказывать, что его картины не являются фотографиями, и что все они нарисованы карандашом.

Он подписывает свои работы, которые публикует в интернете, как DiegoKoi. Так как все еще остаются те, кто не верит, что он все рисует сам, ему приходится делиться секретами своего творчества.

Фацио начинал как автор эскизов для татуировок. Свое мастерство он стал оттачивать самостоятельно, будучи вдохновленным работами японских художников периода Эдо, особенно Кацусика Хокусай.

Художник уже может похвастаться собственным стилем – все работы он начинает с края листа, невольно имитируя струйный принтер.

Его главные инструменты это карандаши и уголь. Чтобы нарисовать портрет, Фацио требуется около 200 часов.

Картины маслом

Автор Эллой Моралес (Eloy Morales)

Невероятно реалистичные автопортреты создает живописец из Испании Элой Моралес.

Все картины написаны маслом. В них он изображает себя, запачканным красками или кремом для бритья, тем самым он старается поймать и изобразить свет.

Работа над картинами очень скрупулезная. Автор работает медленно, тщательно выбирая цвета и обрабатывая все детали.

И все же, Моралес опровергает, что акцент он ставить на детали. Он утверждает, что для него самое важное это правильно подобрать тона.

Если сделать точный переход между тонами, то детали появляются сами по себе.

Картины цветными карандашами

Автор Хосе Вергара (Jose Vergara)

Хосе Вергара молодой американский художник из штата Техас. Он является автором картин, каждая из которых невероятно точно передает человеческий глаз.

Мастерством рисования глаз и их деталей, Вергара овладел, когда ему было лишь 12 лет.

Все гиперреалистичные картины нарисованы обычными цветными карандашами.

Чтобы картины казали еще реалистичнее, художник добавляет на радужные оболочки отражение объектов, на которые смотрит глаз. Это может быть горизонт или горы.

Масляные картины

Автор Роберто Бернарди (Roberto Bernardi)

Работы современного 40-летнего художника, который родился в городе Тодди, Италия, поражают своей реалистичностью и деталями.

Стоит отметить, что еще в раннем детстве он начал рисовать, а уже к 19 годам его привлекло движение гиперреализма, и до сих пор он рисует масляные картины в этом стиле.

Картины акрилом

Автор Том Мартин (Tom Martin)

Этот молодой 28-летний художник родом из города Вэйкфилд, Англия. В 2008 году он с отличием окончил Университет Хаддерсфилда (University of Huddersfield), получив степень бакалавра в области искусства и дизайна.

То, что он изображает в своих картинах связанно с образами, которые он видит каждый день. Сам Том ведет здоровый образ жизни, и это влияет на его работы.

В картинах Мартина можно найти кусок стали или разложенные конфеты, и во всем этом он находит что-то свое, особенное.

Его целью не является простое копирование изображения с фотографии, он рисует картины, используя несколько техник рисования и моделирования, которые были разработаны с использованием современных технологий.

Бывает так, что автор показывает зрителю свои гиперреалистичные работы, с ситуациями, которые физически невозможны в настоящем мире.

Цель Мартина – заставить зрителя поверить в те вещи, который он перед собой видит.

Картины масляными красками

Автор Педро Кампос (Pedro Campos)

Педро Кампос является испанским художником, проживающим в Мадриде, Испания. Все его картины невероятно похожи на фотографии, но на самом деле все они нарисованы масляными красками.

Начиналась карьера талантливого художника в творческих мастерских, где, будучи еще очень юным, он оформлял ночные клубы и рестораны. После этого он работал в рекламных агентствах, но любовь к гиперреализму и живописи, вероятно, пришла тогда, когда он занимался реставраторством.

В 30 лет он начал серьезно думать о профессии независимого художника. На сегодняшний день ему за сорок, и он является признанным мастером своего дела. Работы Кампоса можно увидеть в популярной лондонской художественной галерее “Plus One”.

Для своих картин, художник выбирает предметы со своеобразной текстурой, например, блестящие шарики, искрящаяся стеклянная посуда и т.д. Всем этим, на первый взгляд, обычным неприметным предметам, он дает новую жизнь.

Картины шариковой ручкой

Автор Самуэль Сильва (Samuel Silva)

Самое интересное в работах этого художника это то, что они нарисованы исключительно шариковыми ручками – 8 цветов.

Большинство картин 29-летнего Сильвы списаны с фотографий, которые ему наиболее понравились.

Чтобы нарисовать один портрет, художнику нужно около 30 часов кропотливой работы.

Стоит отметить, что рисуя шариковыми ручками, художник не имеет право на ошибку, т.к. исправить будет почти невозможно.

Самуэль не смешивает чернила. Вместо этого штрихи разных цветов наносятся слоями, что и дает картине эффект богатой палитры цветов.

Читайте также:  Стемпинг для начинающих

По профессии молодой художник юрист, а рисование – это лишь его хобби. Первые рисунки были сделаны еще в школьные годы в тетрадях.

Кроме ручек, Самуэль пробует рисовать мелом, карандашом, масляными красками и акрилом.

Картины акварелью

Автор Эрик Кристенсен (Eric Christensen)

Рисовать этот художник-самоучка начал в уже далеком 1992 году. Сейчас Кристенсен является одним из самых популярных и модных художников.

Кроме всего прочего, Эрик – пока единственный в мире художник-гиперреалист, рисующий исключительно акварельными красками.

Его картины изображают праздный образ жизни, мотивируя зрителя отдохнуть где-нибудь на вилле с бокалом вина в руках.

Рисунки маслом

Автор Луиджи Бенедиченти (Luigi Benedicenti)

Родом из города Кьери, Бенедиченти решил связать свою жизнь с реализмом. Он родился 1 апреля 1948 года, то есть уже в семидесятых он работал в этом направлении.

Одними из самых известных его картин были те, где он детально изображал пирожные, торты и цветы, причем они настолько точно выглядели, что эти пирожные хотелось съесть.

Закончил Луиджи художественную школу в городе Турине в 70-х. Многие критики начали хорошо отзываться о его картинах, а также появились свои поклонники, но художник не спешил навстречу выставочной суете.

В начале 90-х годов, он решил выставить свои произведения на всеобщее обозрение.

Сам автор говорит, что ему хочется передать в своих работах ощущения и волнения маленьких радостей, которые он сам испытывает ежедневно, будучи примерным семьянином, хорошим другом и жителем небольшого итальянского города.

Картины маслом и акварелью

Автор Грегори Тилкер (Gregory Thielker)

Работы художника Грегори Тилкера, который родился в Нью-Джерси в 1979 году, напоминают путешествие на машине в прохладный дождливый вечер.

Автор пишет свои гиперреалистичные картины, используя кисть, акварель и масляные краски.

В работах Тилкера можно увидеть автостоянки, автомобили, трассы и улицы сквозь капли дождя на лобовом окне.

Стоит отметить, что Тилкер изучал историю искусств в колледже Уильямса, и живопись – в Вашингтонском университете.

После того, как он переехал в Бостон, Грегори решил поставить акцент на городских пейзажах, которые и можно увидеть в его работах.

Рисунки карандашом, мелом и углем

Автор Пол Кэдден (Paul Cadden)

Вы, возможно, удивитесь, но на работы известного шотландского художника Пола Кэддена повлияла гениальный советский скульптор Вера Мухина.

Главные цвета в его картинах – это серый и темно серый, а инструмент, которым он рисует – грифельный карандаш, которым он передает даже самые незначительные капли воды, замерзшие на лице человека.

Иногда Кэдден берет в руки мел и уголь, чтобы еще реалистичнее сделать изображение.

Стоит отметить, что герой рисует с фотографий. Художник говорит, что его миссия создавать живой сюжет из обычной, плоской фотографии.

Рисунки цветными карандашами

Автор Марчелло Баренжи (Marcello Barenghi)

Главная тема художника гиперреалиста Марчелло Беренжи – это окружающие нас предметы.

Нарисованные им картины настолько реальны, что кажется можно взять в руки нарисованный пакет чипсов, или собрать нарисованный кубик Рубика.

Для создания одной картины, Марчелло тратит до 6 часов кропотливой работы.

Еще один интересный факт – это то, что сам художник снимает на видео весь процесс создания рисунка и потом выкладывает в сеть 3-минутный ролик.

Итальянский художник Marcello Barenghi рисует 50 евро


10 известных картин, сюжеты и символы которых сегодня интерпретируют неверно

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

1. Счастливые возможности качелей

Эта знаменитая картина эпохи рококо даже была показана в «Холодном сердце» Диснея. Тем не менее, Фрагонар явно вкладывал в свою работу более глубокий смысл, чем Дисней. На картине изображена молодая женщина, которую раскачивает на качелях в романтическом саду пожилой мужчина. Этот мужчина явно не подозревает о присутствии молодого любовника девушки, который наблюдает за ними из кустов.

Мало того, что молодой человек смотрит прямо под платье женщины, так еще все действо происходит на фоне розовых кустов, которые в искусстве эпохи рококо были классическим символом женской сексуальности. Кроме того, молодой любовник засунул свою шляпу в кусты. Это может показаться странным, но в то время мужская шляпа часто использовалась, чтобы скрыть эрекцию. Таким образом, шляпа в кустах – довольно вопиющий каламбур.

Еще одна подсказка – женская туфелька, которая была сброшена с ноги во время раскачивания. Уже в течение многих веков голые ноги или лодыжки ассоциируются с сексуальными желаниями. Хотя «Качели» – бесспорно красивый образ, стоит узнать его историю перед тем, как начать показывать его в детских мультфильмах.

2. Завтрак на траве

Женская нагота довольно часто встречалась в классическом искусстве. Но даже в то время, когда рискованные художники осмеливались рисовать женщин во всей их обнаженной красе, работа Мане выделялась среди остальных. На этом шедевре импрессионизма изображен пикник двух полностью одетых мужчин с обнаженной женщиной, смотрящей на зрителя (а на заднем плане есть еще одна полностью одетая женщина). Изображение было уникальным в этом отношении, поскольку вплоть до того момента обнаженными, как правило, изображали богинь, таких как Венера или Афродита.

Мане же нарисовал обычную женщину легкого поведения, и он стремился изображать женщин не как бессмертных небожителей, а как вполне смертных и материальных существ. Но картину ассоциировали с проблемой необузданной проституции, с которой Франция столкнулась в то время. Когда полотно было представлено жюри Парижского салона 1863 года, оно было встречено насмешками и критикой. Картину Мане отвергли, поскольку ее смысл был полностью неверно истолкован.

3. Олимпия

Очень похожая на «Обед на траве», «Олимпия» Мане также изображает обнаженную проститутку, и поэтому она немедленно столкнулась с критикой и отвращением со стороны арт-сообщества. Женщина на полотне смотрит прямо на зрителя самым «бесстыдным и сексуальным образом». Критики предпочли полностью игнорировать настоящие темы, которые хотел передать Мане, рисуя реалистичные парижские сцены.

Фактически, они были настолько поглощены игнорированием намерений Мане, что почти не замечали на картине присутствия темнокожей служанки, которая, как считается в наше время, создает контраст света и темноты. Но Мане просто не мог убедить современное ему общество в своих истинных намерениях.

4. Постоянство памяти

«Постоянство памяти», которую чаще называют «Тающие часы», – это сюрреалистическая картина, являющаяся самым узнаваемым полотном Дали. Ее популярность настолько велика, что эту картину показывали даже в «Симпсонах», а в последнее время ряд компаний даже начали продавать часы, дизайн которых был вдохновлен этой картиной. Но, несмотря на ее популярность, смысл работы Сальвадора Дали неверно истолковывают многие искусствоведы еще с момента ее презентации в 1932 году.

Многие считали, что мягкие, стекающие со стола карманные часы представляют собой представление о текучести и податливости концепции времени и пространства. Эта интерпретация привела к убеждению, что Дали хотел передать эйнштейновскую теорию относительности. Однако, когда его спросили, почему он решил нарисовать свои знаменитые часы, художник ответил, что он был вдохновлен изображением сыра камамбера, плавящегося на солнце.

5. Похищение дочерей Левкиппа

Следующая картина примечательна тем, что ее неверно трактовали дважды. Сначала художник Томаш Кучеровский опубликовал комикс под названием «Не тот век» на своем веб-сайте. В комиксе была изображена тучная женщина, любующаяся картиной Рубенса, беззаботной наготой и красотой двух женщин, изображенных на ней. Название, очевидно, относится к глубокому желанию этой женщины жить во времена, когда ценились более «крупные» женщины, такие как она.

Однако после появления на таких сайтах, как Twitter и Tumblr, комикс быстро удалили из-за шквала критики. Картина Рубенса, как следует из названия, безусловно, не является восхвалением крупных форм, как это показалось Кучеровскому. Фактически, на картине изображены Феба и Гилаира, дочери греческого царя Левкиппа, которые были похищены Кастором и Поллуксом, желающими взять их в жены.

Второе заблуждение относительно картины более глобальное. По понятным причинам на Западе считают, что картина называется «Изнасилование дочерей Левкиппа» (на английском она называется The Rape Of The Daughters Of Leucippus, а слово «rape» обозначает как изнасилование, так и похищение). На самом деле, нужно рассматривать латинское происхождение этого слова – «rapere» означало именно похищение.

6. Ночная терраса кафе

Это скорее теория, но у нее есть довольно убедительные аргументы. «Ночная терраса кафе» – одна из самых известных картин Ван Гога, и по всему миру есть миллионы ее репродукций. Тем не менее, предполагается, что полотно на самом деле является некой визуальной интерпретацией «Тайной вечери» Да Винчи. Ван Гог, сын пастора, был глубоко религиозным человеком, поэтому логично будет предположить, что он передавал в своем искусстве некоторые религиозные образы.

На картине изображен простой вид на уличное кафе, в котором сидят 12 человек, а еще выходит в дверь (от него видна только темная тень). Человек, который стоит в центре, одет в белый цвет, а остальные одеты в красный или черный цвета. Считается, что белая фигура символизирует Иисуса, а темная – Иуду. Теория была поддержана различными учеными, но правдивость ее подвергается сомнению.

7. Портрет Тео Ван Гога

«Портрет Тео Ван Гога» – маленькая картина, изображающая бедно одетого мужчину, которая на протяжении многих лет считалась автопортретом самого Винсента ван Гога. Однако спустя 120 лет после написания картины искусствоведы во всем мире были потрясены открытием, когда оказалось, что картина не является автопортретом, а на ней нарисован брат художника Тео, который был очень похож на Винсента. Это показывает, что иногда даже профессиональные историки могут ошибаться.

8. Полуночники

На самой известной работе Хоппера, «Полуночниках» изображены несколько одиноких фигур, сидящих в закусочной ночью. Улица возле закусочной пустынна, и от картины буквально исходит сильное чувство одиночества. Еще более усиливает это чувство изоляции, лишения свободы и беспомощности отсутствие видимого выхода из здания. Критики предполагали, что художник хотел передать чувство одиночества в большом городе. Однако, когда репортеры спросили Хоппера о том, что он подразумевал, когда писал картину, тот ответил: «Вы что, издеваетесь? Я просто нарисовал закусочную ночью».

9. Природа ковки ребенка

Об этой картине, которая была иллюстрацией к поэме XIII века Гильома де Лорриса и Жана де Мена, известно мало что. Это привело к тому, что изображение часто демонстрируется вне контекста. На картине ясно показана женщина, бьющая ребенка молотком, а в стороне лежат несколько серых, явно мертвых младенцев. Однако, как видно из названия, женщина не является убийцей ребенка. Она на самом деле является аллегорическим изображением Матери-Природы, которая «кует» своих детей.

10. Черный ирис

О’Кифф, вероятно, является самым неверно истолкованным художником в этом списке, исключительно из-за реакции общественности на ее большие картины с цветами. «Черный ирис», как и все другие цветы, нарисованные О’Кифф, считались представлением женских гениталий.

Это не надуманное предположение, поскольку в истории искусства ассоциации женщин с цветами встречаются часто, но О’Кифф решительно опровергла все утверждения о том, что ее произведение было каким-то образом предназначено для передачи сексуальности. Она даже пыталась развеять слухи, увеличивая уровень детализации в своей работе, но это только добавило споров.

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

Ссылка на основную публикацию